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May 06, 2023

グラミー賞

Foto: Intervista con Andy Pollitt Jelly Roll entra ufficialmente nel paese

写真：アンディ・ポリット

インタビュー

ジェリー・ロールが最新LP『Whitsitt Chapel』で正式に田舎の領域に足を踏み入れると、ラッパーから田舎のスターに転身した彼はまるで変わった人間のように感じており、道に迷っている人々に希望を与えることを目指している。

ジェリー・ロールが娘のベイリーと一緒に初めて教会に行ったとき、彼は救いを求めていませんでした。 しかし、教会の信徒席に座っているとき、彼は自分自身の救いと宗教との関係の物語は、共有する必要があるものであることに気づきました。

「宗教を除けば、救われることができるという考えは素晴らしい考えです。私たちが誰であるかは、実際の私ではないという考えは非常に強力です」とジェリー・ロールはGRAMMY.comに語った。 「その瞬間、私は『自分の宗教の旅、精神性の旅、救いの旅、悪行の旅を概説するような、コンセプチュアルなアルバムを書きたい』と思った。」

ジェイソン・デフォードとして生まれたジェリー・ロールは、連邦刑務所を出たり入ったりして10年を過ごし、2008年にベイリーが生まれたとき投獄されていた。ベイリーの誕生は、2011年にラッパーとして音楽キャリアをスタートさせた歌手にとってターニングポイントとなった。 , テネシー州出身の彼は常にカントリーミュージックが大好きで、自分が歌えることに気づいたとき、カントリーソングの作曲に挑戦しました。

続いてリリースされたのは、ジェリー・ロールの最初のフルレングス・カントリー・アルバム、ホイットシット・チャペルだ。 彼が14歳のときに洗礼を受けた教会の名前にちなんで名付けられたこのLPは、彼自身の人生の物語と宗教との複雑な関係を、控えめで正直かつざらざらと解剖し、時には非難するものである。 「セーブ・ミー」で「誰か私を自分から救って」と懇願しているのか、「ハングオーバー・イン・ア・チャーチ・ピュー」で教会に現れることの意味を振り返っているのか、ジェリー・ロールの一種の宗教は理解、許し、成長の一つである。 。

前作のLP、2021年の『Ballads of the Broken』の生々しさ（「Son of a Sinner」でジェリー・ロールにとって初のNo.1ヒットを獲得した）をさらに発展させて、ホイットシット・チャペルはジェリー・ロールをカントリー・ミュージック界で最も興味をそそられる新星のうちの一人として紹介している。 説得力のあるザラザラとしたボーカルとカントリートラップのビートに支えられた彼の苦悩についての正直な説明は、彼のライブショーを魅力的なパフォーマンスに変え、ファンと歌手自身にほとんど教会のような雰囲気を作り出します。

『ホイットシット・チャペル』が発売された日に、ジェリー・ロールはグラミー・ドット・コムのインタビューで、最新アルバムの制作、司法制度改革への希望、そして自らの救いへの旅について語った。

さて、まずはアルバム発売日おめでとうございます。 今日の気分はどうですか？

ああ、ありがとう。 誕生日よりいいですね。 自分が王様であるプロムを開催しているようなものです。 私はプロムに行ったことはありませんが、おそらくこんな感じだと思います。

今週はリリース・ショーのためにライマン・オーディトリアムを完売させましたね。 そして、何人かの人々がそのショーを教会に行っているような気分だと表現しているのを聞いたことがあります。 あなた側から見てどう感じたのか興味があります。

人々がこれを教会に行くことと比較するのが大好きです。 それが私たちがすべてのコンサートを作ろうとしている方法だと思うからです。 私はいつも自分のショーは、少しのヒップホップ、少しのロック、たくさんのカントリー、そして少しの裏道テントのリバイバルであると言っています。

私たちは古いものと新しいものをすべて混ぜ合わせます。 したがって、デフォルトでは、ジャンルの横断がたくさんあります。 しかし、裏道テントの復活はプロジェクト全体のテーマのようなものです。 それは、昔ながらの「教会に行きましょう、少し騒いでみましょう、ここで少し地獄の火と硫黄を手に入れましょう」です。 そして、どんな良い日曜日の説教にも浮き沈みがあり、泣く瞬間、幸せな瞬間、怖い瞬間、興奮する瞬間があり、私たちはそれを番組で再現しようとしているだけです。

あたかも上で説教しているような気分でしたか？

音楽が説教をしていると思うので、私はただ話すだけです。 私の言っていることが分かるよね？ 音楽は説教で、私はただの執事だと思います。

実際にラップをして人々と共有し始めたのはいつですか?

初めてラップを書いたのはおそらく 10 歳か 11 歳か 12 歳のときでした。そしてそれをすぐに家族と共有しました。 まるで躊躇しなかった。 最初に書いたラップは本当に最悪でした。 そして、私は大きな誇りを持って階下に駆け下り、人々が台所のテーブルの周りに集まり、彼らがそれがまともであるかのように振る舞っているのを見ました。

家族がそうするように。 では、どうやってカントリーミュージックをやることに転向したのですか？

私はカントリー ミュージックが大好きなので、ずっとカントリー ミュージックをやりたいと思っていました。 そして、「3つのコードと真実」が常に私の音楽の前提だったような気がします。 ただ、自分が歌えるとは知りませんでした。 20歳の頃に誰かが私にかっこいい歌声を持っていると言ったら、それが今どこにあるのか想像できませんでした。 自分が歌えることに気づいたのは30代半ばくらいでした。

私はカラオケをしていて、ボブ・シーガーの「オールド・タイム・ロックンロール」を歌っていました。 ステージから降りてきました。 プロデューサーは「おい、自分が歌う曲を作らなきゃいけないよ」って言ったんだ。 そして私はこう思いました。「もし歌えると思っていたら、20年前にそうしていたでしょう。私は歌が下手です。」 彼は「今聞いたのと違います」みたいな感じでした。 私はそれに取り組み始めました、そしてあなたは私がこのアルバムを手に入れたことがわかります ホイットシットチャペルは、私が私の声にどれだけ快適かを聞いて初めてわかるでしょう。

ソングライティングも何もかも、音楽は進化しました。 私の言い方をすれば、音楽がその男を追ってきたということだ。男が変わり、そして音楽が変わった。人間のイオンのこの大きな古いラグは、私がどこにマイクを向けても、音楽を私と一緒に引きずり続けているだけだ。

カラオケをしたその瞬間の後、あなたは「Save Me」を発表しましたが、私はこれがカントリーミュージックへの架け橋だと思います。

それが大きな橋であり、それが 2020 年であり、それが一つになり始めた瞬間でした。 しかし、あなたは歌手としての素晴らしいつながりについて話したいのですね。私は今年「Save Me」の歌い方を学び直さなければなりませんでした。 この話をするのは初めてです。 私が初めて「Save Me」の歌い方を学んだとき、私は自分が歌える限り高い音域で、すべての音に手を伸ばしていました。 今ではそのオクターブ上を歌えるようになりました。 今ではより高い音で歌うようになったので、曲の実際のキーに戻る方法を学ばなければなりませんでした。

それはちょっと意外に思えます。

興味深かった。 ここ 1 ～ 2 年で自分がどれだけ調子が悪くなったかはわかりませんでした。 でも楽しかったです。 涼しくなりました。 勉強中なので、まだ初心者です。 それが私がとても興奮している理由でもあると思います、それは私が音楽理論について本当に少しだけ理解しているからです。 コードの構造がよく理解できるようになりました。 キー、オクターブ、ピッチ、コントロールを理解しています。 これらは、「Save Me」を作ったときにはまったくわかりませんでした。

この移行の一環として音楽理論を勉強していますか?

いいえ、私はできるときに少しギターを弾いているだけで、もっとアコースティックなことをたくさんやっています。 私の娘は小さなピアノと小さなギターを弾きます。 だから私はできることすべてを吸収しようとしているだけです。

宗教にはいろいろなことができると思います。 そして、それはウィットシットチャペルのかなり中心にあります。 あなたと宗教との関係について少し話してもらえますか？

私は本当に、本当に、宗教に反対しています。 私はまったく宗教的ではありません。 しかし、私は霊性を間違いなく信じています。 私の教会に対する見方、そして今の教会に対する見方は、これまで見てきたものとは異なっていると思いました。 それはコミュニティを築き、許しを求め、より良くなろうとする試みとしてその場所に行く大勢の人々であることに気づきました。

そして、正しく行えば、イエス、神、アッラー、そのようなものについてあなたがどう思っているかは気にしません。これは素晴らしいコンセプトですよね？ 人々はより良​​いことをする、より良くなる、そしてコミュニティを築くという考えを持ってここに来ます。 大人になってそれを見ると、私は長い間教会に腹を立てていたので、彼らは時々イエスを間違って描いていたように思いますが、理解して立ち返ると、その精神が何であるかがわかります。

でも、「私はお願いが必要なときだけ神に話します」というようなセリフも書きます。 あなたが今言ったことで、そのセリフの本当の緊張感を修正してもらえますか？

そうですね、ある日、教会の裏に座って礼拝音楽を聴いていました。 そして、それと自分の歩みや精神性がどのような状況にあるのかを理解することができません。 そういう観点から見てみると、「私とのつながりは何だろう、神への私の歌はどう聞こえるだろうか？」と思うでしょう。

そして、私はそれが「私はお願いが必要なときだけ神と話します。私は祈りが得られないときだけ祈ります。」のように感じます。 ["Need a Favor"] の 3 行目は、私にとって最も強力な行です。「それで、私はいったい何者でしょうか。救いを期待できる私は一体何者ですか?」 その行にある「期待する」という言葉、その権利について考えてみましょう。 それは私が教会をどのように見ているかについて正直に述べただけであり、その後に神との個人的な歩みがありますが、それらは明らかに異なります。 だから私にとって、それはその精神で音楽を作ろうとしていることだった。

それでは、このアルバムに子供時代を過ごした教会の名前を付けたのはなぜですか?

それは、私がベイリーと一緒に彼女の教会に行ったときに始まりました。 ベイリーは私の娘です。彼女は 14 歳で、教会に通い始めたとき、バプテスマを受けたいとほのめかしていました。 [私は思った]、そうですね、彼女がどんなカルトに行っているのかを見に行こうと思いました、なぜなら当時の私は教会についてそのような見方をしていたからです。 そして私はそこへ行き、その壁の中にも本物が存在する可能性があることを思い出しました。 彼女と彼女の友達全員を見ていると、何よりも人間性、思いやり、許し、愛、コミュニティを思い出しました。

そして、私は14歳のときに自分がどこにいるのかについて考え始めていました。私も小さな教会に行くつもりです、丘の上の小さな裏道にあります、これらの小さな類似点があります。 ベイリーは初めてマリファナを経験し、マリファナに手を出しました。私は最近彼女を捕まえました。 同じ年齢の頃、私はマリファナに手を出し、トラブルを抱えていました。 それはただ反省しただけだった。

そして、償還について考え始めます。 宗教の外では、救われることができるという考えは素晴らしい考えです。 私たちが誰だったのかは、今の私たちではないという考えは非常に強力です。 その瞬間、私はこう思いました。「私の宗教の旅、精神性の旅、救いの旅、悪行の旅を概説するような、コンセプチュアルなアルバムを書きたい」 ホイットシットチャペルで洗礼を受ける14歳の子供から、14歳の息子が洗礼を受けるのを見守った39歳の男性に至るまで、これらすべてに対する私の見解です。

そして、14年はあなたにとってかなり大きな年、少なくとも複雑な年だったと思います。 あなたの娘さんは14歳ですが、それはあなたにどんな影響を与えましたか？

それが私が行動に移そうと思った理由です。 バプテスマを受けたのと同じ年に私は逮捕され、その後10年間に及ぶ投獄と出獄のサイクルが始まりました。 そして、彼女はより良い場所にいます。 彼女は私がその年齢でこれまでにいなかった、あるいはおそらくこれからもそうなるであろうよりもはるかに優れています。 しかし、それが麻薬の原因でもありました。なぜなら、これが時代であることを私は知っているからです。 私はいつも人々と話しています。 「子育ての中で最も重要な時期はいつだと思いますか？」 私は「毎日です。でも窓口があれば14時から18時までです。」と言いました。

そしてライマンショーで、あなたは牧師と話すためにホイットシットチャペルに戻ることについて話していましたね。 あなたが戻ったとき何が起こりましたか、そしてあなたがアルバムにその名前を付けたことについて彼らはどう感じていますか？

それは私の物事に対する信頼を取り戻しました。 彼らは私の記録を取り出し、バプテスマを受けたいと願う14歳のジェイソンの手書きの写真を送りました。カードに記入する必要があります。 そしてこの教会はその記録を24年間保管し続けています。 クレイジーですよね？ だからその時点で、私は彼らに会いたい、少し彼らを愛してもいいですか？ 私は座ってケン牧師に会って、彼のスタッフの他のメンバーにも会いに行きたかったのです。

彼らがアルバム全体についてどう思うかを聞くのが楽しみだ。 彼らが大好きだった曲をいくつか演奏しました。 彼らの正確な言葉は、「彼が私たちのことを考えてくれて本当にうれしいです。私たちは彼のことを考えています。私たちは彼を愛しています。私たちは彼のために祈っています。私たちは彼のことを誇りに思っています。」でした。

今後数週間の私の目標は、日曜日に立ち寄って彼らを驚かせることです。 たぶん今週の日曜日に行くべきです。

そのタイミングって何かありますよね？

そうですね、それについては何か皮肉なことがあります。

カントリーアルバムをリリースした今、あなたは自分自身をカントリーアーティストとして完全に認識していますか？

私は間違いなく自分自身をカントリーアーティストだと思っています。 100パーセント。 私の妻はかつて私に、オハイオ州以北のどこかで私が「アメイジング・グレイス」を歌ったとしても、人々は私のことを田舎者だと言うだろうと言いました。 彼女はこう言った、「あなたは自分が歌っているときはカントリーっぽいと思っていないかもしれないけど、私はラスベガス出身で、あなたはカントリーっぽいです。あなたが家の中で歌を歌っているとき、例えばケイティ・ペリーの歌とか、家の周りで何かおふざけしているときは、あなたはあなたをバカにしています」健全な国。」 妻はいつもそのことで私をいじめてきました。

まあ、もしあなたが今カントリーアルバムを出しているとしたら、冗談は彼女にあるかもしれない。

すごくないですか？ 彼女はそれを愛しています。 彼女がする私のお気に入りのことは、彼女が私の延々と話すとき、そして彼女が夫の印象を与えるとき、それは最高です。

これらの曲は誰に向けて書きましたか?

私は人生の二重性に対処している人のためにこれらの曲を書きました。 日曜日の礼拝の話に戻りますが、私は土曜日に何度も出かけて、過剰な奉仕をしてきました。 日曜日の朝、私は何度も起きて現れました、それが人間の二面性です。

これもまた「Son of a Sinner」のようなものです。 それは常に正しいことと間違っていることの間のどこかにあるということです。それがまさに私が住んでいる場所だと思うからです。私は自分の心が純粋であることを知っています。 私は自分の精神が正しいことを知っています。 また、私が本当に政治的に間違ったジョークを言っているということも知っています。 そして時々パーティーをします、そして私は少し愚かでとんでもないです。 しかし、私の心は奉仕の人になり、人々を助けることであることも知っています。 だから私はそういう人たち、傷ついた男のもがく詩人のために書いている。 常に声なき者の代弁者になろうと努めています。

そしてアルバムの最後は本当にその場所「Hungover in a Church Pew」で終わりますよね？

はい、それはアルバムにおいてそのように重要でした、なぜなら私にはそれが必要だったからです。 なぜなら、それが「The Lost」のように聞こえる瞬間があるからです：「私は自分のような人々を見つけることが知られています/彼らは教会の尖塔の下に住んでいません。」 しかし、このアルバムのこの旅全体を通しても、すべての「ホールド・オン・ミー」、アルコールとの闘い、妻へのラブソング、「セーブ・ミー」、「ニード・ア・フェイバー」、「ダンス・ウィズ・ザ・デビル」。 そうしたすべてを経た後でも、私はまだ、あの陽気でミッドテンポの二日酔いの「ステンドグラスの窓に降り注ぐ太陽光線、その火と硫黄を説教する説教師の男」への道を見つけた。 だから私にとって、それはクールだった。なぜなら、「あなたの火と硫黄の音が聞こえた」ような気がしたからだ。 私はいつも救いを探しています。

それと道の真ん中も、片足が2か所にありますよね？

その通り。

もっとあなたのバックストーリーに興味があります。 あなたは自分が囚人であることを本当にオープンにしていますね。 そしてそれはあなたのアイデンティティの中心となるものです。 それをあなたのアイデンティティの最前線に置いておくという選択に興味があります。

そうですね、いつも思い出します。 だから、人は変わることができるということを人々に思い出してもらいたいということを常に思い出しながら、私の今の目標は何かだと思います。 4か月前に家を購入しようとしたのですが、重罪を理由に断られました。 今日も対応中です。

今はむしろ、その大義に注目を集め、ある種の司法改革を行うことが重要だと思います。 私が16歳の時に犯した、言い逃れのできない重罪。 ご存知のとおり、私は過去20数年間、そのことに反対すべき男のようには考えていませんでした。

それで、それについて人々に理解してもらいたいのは何ですか？

懲戒や更生に力を入れるのであれば、少年制度を見直すだけでいいと思います。 そしてそれはアメリカにおける麻薬中毒のパンデミックにも当てはまると思います。 私たちはリハビリテーションに適切に注意を向けていますか? 代替手段はまだ見つかっているのでしょうか? 麻薬戦争は負けた戦争だったということを受け入れられるでしょうか？ 私の話は、それらのトピックに注意を向けてもらうための単なる試みです。 そして私が言いたいのは、それがすべての人に当てはまる画一的なものではないと思うということです。 同様に、私の重罪に至るまで、これらのことはケースバイケースであるべきだと思います。

最近のブリヂストンアリーナ公演の収益を寄付することになりましたね。 それはさまざまな青少年プログラムに対するものですか、それともあなたが収監されていた少年院に対するものですか？

私がいた拘置所にスタジオを建て、地元の高校生数名に奨学金も与えました。 私は、危険にさらされている若者を投獄されている子供たちだけに限定したくありませんでした。 なぜなら、まだその決断をしていないだけでなく、どうやって大学に行くのかもわからない、危険にさらされている子供たちがいると私は信じているからです。 そういった悩みも解決していきたいと思っています。

そのお金で何ができるかという希望はありますか？

私の願いは、子供たちが音楽を作成し、自分自身を表現するための安全な空間を作り出すことができることです。 でも、これは私にとってもっと大きなことで、10 年計画があり、それを変更したいと思っています。 グループホームを開きたいし、最終的にはアフターケアプログラムやコミュニティセンターも開きたいです。 私がいた少年施設に他の貿易の仕事を持ち込みたいと思っています。 私が音楽を始めたのは、それが自分の知っていることだからです。 しかし、私は、理容や溶接など、できる限りのことを取り入れて、この子供たちに別の方法があるかもしれないことを理解してもらいたいと考えています。

それはあなたがここまで来たからですか？

それは私がこれまでやってきたこと、そして恩返しする能力のおかげだと思います。 助けたいです。 あなたの人生がこれほど劇的に変わったのに、助けようとしないなら、あなたは何者ですか？

音楽を作り始めた頃とは違う自分になったように感じますか？

私はまったく違う人間です。 音楽でそれを聞くことができます。 証言を見ればわかります。 いや、今日は一週間前よりも良くなっていると言えることを誇りに思います。 私は意識的に決断や選択をし、自分に足りなかった点に気づきました。 私は毎日自己棚卸を行っています。

それは、さまざまなプログラムを通して私が学んだ考え方、物事を振り返り、毎日自己棚卸しをするという概念です。 「言ったことを後悔していますか? 誰かに電話しませんでしたか? 言うべきことを言わなかったでしょうか?」 それはあなたに感謝し続けるでしょう。 それはあなたを謙虚に保つことにもなります。 なぜなら、棚卸しは単に「自分は何に感謝しているのか？過去 24 時間で感謝している出来事は何だろう？」ということだけになるからです。

この 24 時間、あなたには感謝すべきことがいくつかあるかもしれません。

おっと、この 24 時間は詰まっています。 週末まで連れて行ってくれます。 今では、多少の失敗は許されています。 いや、冗談だよ。 そのバランスですよね？ 「大丈夫、一晩の無謀を勝ち取ったみたいだ。」

さて、日曜日が来ますね？

アーメン。

自分が有名であることがまだ信じられない、国内最大の新スター、ベイリー・ジマーマンを紹介する

写真 (LR、左上から時計回り): Jason Merritt/FilmMagic、NurPhoto/Corbis via Getty Images、Chelsea Lauren/WireImage、Juan Aguado/Redferns)

特徴

Avenged Sevenfold の 8 枚目のスタジオ アルバムは、おそらくこれまでで最も折衷的な作品です。 しかし、このハード ロック バンドのディスコグラフィ全体を見てみると、実験的でジャンルを飛び越えたこの LP は、それほど劇的な変化とは感じられないかもしれません。

もともとオレンジ カウンティのパンク シーン出身のメタル チャートのトップアーティスト、アベンジド セブンフォールドは、クラシック バンドからインスピレーションを得ながらも、新しい学校の感性を取り入れ、常に個人的および芸術的な限界を押し広げてきました。 彼らの最新アルバム『Life Is But A Dream…』は、ジャンルを超えた曲に対する彼らの影響と傾向をすべて取り入れ、それらを大胆で新しい音の風景に融合させています。

11 トラックの LP (Avenged Sevenfold の 8 枚目) は、長い演奏時間、実験的な楽曲、時折オーケストラの伴奏を特徴としています。 素早いジャンルの切り替えがこのコレクションを挑戦的なものにしていると同時に、このアルバムを主流のロックバンドの他の作品の中でも際立たせている。

Life Is But A Dream… が示唆するように、Avenged Sevenfold の実験への意欲が、バンドをほぼ 25 年間にわたって活動的かつ活力に保ち続けてきました。 彼らはまた、歌詞の中の複雑なテーマを避けることはなく、ファンタジーのテーマを掘り下げ、社会的および政治的問題を取り上げ、死、存在、そして亡きドラマー、ザ・レブの死を悼む曲で感情的になりました。

彼らはこれまでに「バット・カントリー」や「ヘイル・トゥ・ザ・キング」といったアンセム的なヒット曲をいくつか提供してきたが、その深いカットこそが彼らの音楽の魅力を維持し続けているのだ。 これらすべてを、フロントマンのM.シャドウズの強力なボーカルの存在感、ギタリストのシニスター・ゲイツの燃えるようなリードとギタリストのザッキー・ヴェンジェンスとのインタープレイ、ベーシストのジョニー・キリストと彼らの亡きドラム奏者ザ・レヴのリズミカルな力と組み合わせると、グループがこのようなパフォーマンスを発揮するのも不思議ではない。当初から忠実な支持者を維持しました。 その結果、5枚のプラチナセールスディスク、2枚のNo.1アルバム、そしてグラミー賞にノミネートされました。

Avenged Sevenfold が 8 枚目のアルバムをリリースするにあたり、GRAMMY.com はバンドのカタログを深く調査し、オープンな心と耳を保つことがどのようにして彼らをやりがいのある音楽の道に導いてきたのかを調査しました。

『Avenged Sevenfold』のデビュー作は原始的な状況で録音されました。 当初はシャドウズ、ヴェンジェンス、ベーシストのジャスティン・セイン、ドラマーのジミー・"ザ・レヴ"・サリバンというカルテットで構成されていたこのバンドの予算は2,000ドルだった。 レブはすべての曲をワンテイクで録音することですぐにドラム演奏力としての信用を固め、バンドはタイトでしばしば多動的なトラックの上に他のすべてを録音しました。

アヴェンジドは「ダークネス・サラウンド」や「シック・アンド・シン」のようなスラッシーな曲で徹底的に凶暴なサウンドを響かせ、その後ピアノ・バラード「ウォームネス・オン・ザ・ソウル」やシャドウズの前バンドから移植された曲「ストリート」のメロディック・パンクと対照的だった。成功、失敗。 後の多くの大作とは異なり、メランコリックな7分間のエンディングトラック「Shattered By Broken Dreams」を除いて、ほとんどの曲は4分台に収まった（アベンジドのリリースとしては最初で最後）。 この曲はアコースティック バラードの流れで始まり、その後エレジーなエレクトリック ジャムに変化し、彼らの影響の多くを 1 つの曲に組み合わせています。

それらの影響のもう 1 つは、彼らの故郷であるカリフォルニア州ハンティントンビーチのようで、バンドはそこには非常に多様で折衷的な人々が住んでいることを指摘しています。 『トランペット』の曲はそれを反映しており、メタルコア、パンク、クラシック メタルの要素を組み合わせて、騒々しい、たとえ不均一な作品にまとめています。 このプロジェクトを録音したとき、彼らはまだ 10 代でしたが、すぐに期待が高まりました。

デビュー作リリース後のラインナップ変更により、2001年4月にギターにシュレッドキングのシンサイター・ゲイツが、2002年9月にベースにジョニー・クライストが加入した。ホープレス・レコードと契約し、ファースト・アルバムを再発したA7Xは、刷新されたバンドがどのように固まったかをすぐに示した。さらに次の作品「Waking the Fallen」ではスタジオに対する自信がさらに高まりました。 2 人の 6 弦楽器を使用することでヘヴィネスとソングライティングの可能性が高まり、大きなギターのハーモニーを解き放つのに最適でした。

Godsmack のプロデューサーである Andrew Murdock (別名 Mudrock) が共同プロデューサーとして参加し、バンドをさらに前進させるよう後押ししました。 彼はカオスとコントロールのバランスをとるためにザ・レブのドラムを意図的に抑制し、特に2002年頃に完全回復まで2年かかった彼の声の手術を考慮して、グループはシャドーズにスクリームだけに集中するのではなく、もっと歌うよう奨励した。 この歌唱の変化は次のアルバムに深く影響を与えることになるが、バンドの初期のファンの一部には気に入らないだろう。 しかし、それは彼らの音楽をさらにオープンにするのに役立ちました。 シングル「Eternal Rest/Chapter Four」と「Unholy Confessions」は、彼らの新しい影響と古い学校の影響をうまく融合させました。

トラック「Remenissions」は、アグレッシブなメタルコアと予期せぬアコースティックギターの演奏を融合させ、今後の多次元的なメンタリティを示唆する曲のひとつでした。 2部構成の13分間の「I Won't See You Tonight」は、その主題、つまり自殺を図ろうとしているセインに歩み寄るシャドウをセインの視点から詳細に描いているという点でも、アルバムの中でも最も説得力のある曲の一つである。壮大なパワーバラードから、友人の遺書に対するシャドウズの反応を呼び起こした怒涛の後半への展開で。

『Waking The Fallen』から、Avenged Sevenfold が急速に成長していることは明らかでした。 彼らの音楽と、Vans Warped Tour を含む定期的なツアーは、大躍進の舞台を整えました。

マードックが再びプロデューサーの座に就いたことにより、バンドの 3 枚目のアルバムは転換点を迎えました。 シャドウズはボーカルコーチと協力して、ザラザラとしたメタルの質感を出しましたが、若い頃のように声を吹き飛ばさないようにしました。 彼は今でもライブでは多くのスクリームに取り組んでいるが、レコーディングでは、あからさまなスクリームを避ける気概とパワーを持って、はるかに規律あるヴォーカル・アプローチをとった。 (ジョニー・キリストが他の叫び声の一部をライブで処理することを引き継ぎました。)

アンセム的な 2 枚目のシングル「Bat Country」のビデオは、悪魔のようなベガスのイメージ、ランジェリーを着たモデル、そしてたくさんの (デジタル) コウモリなど、新しいアベンジド セブンフォールドの雰囲気を決定づけました。 ニューメタルブームが終わり、メタルコアがピークを迎えていたため、この移行のタイミングはうまくいきました。 古典的な 80 年代のハード ロックとメタルのリバイバルが本格化する中、アイアン メイデン、ガンズ アンド ローゼズ、メタリカなど、若いバンドがそれらの影響を取り入れて新しいサウンドを形づくる機が熟しました。 ヘヴィなリフと雄大なギターのハーモニーを引き連れて、Avenged Sevenfold が登場した。

おそらくメタルコアの騒乱は去ったが、「Blinded In Chains」や「Burn It Down」のような曲の連射リフや叩きつけるようなダブルキックを聞けば、彼らがまだ雷をもたらすことができるのは明らかだ。 同時に彼らの音楽の世界観も広がりました。 「サイドワインダー」のメロディック・メタルは、曲の拡張されたラテン語コーダでゲイツの父ブライアン・ヘイナーによるスパニッシュ・ギターの演奏をフィーチャーしていた。 「Seize The Day」は古典的なパワーバラードを思い出させます。 最後の 3 曲は、戦場の恐怖を歌った疾走する乙女風のクローザー「MIA」を含む、ミッドテンポのメロディック メタルに変化しました。

4回目はグループのセルフプロデュース・セルフタイトルアルバムの魅力についてでした。 「クリティカル・アクレイム」のアグロな攻撃で幕を開け、社会問題について泣き言を言いながらも解決には何もしないキーボード戦士たちへの批判も含まれていたこのアルバムは、実に幅広い音の領域を横断した。 「スクリーム」はよりグルーヴメタルの強度を高め、「ライズ」は高速パワーメタルを提供し、「ガンスリンガー」はブルージーなアコースティック作品をフィーチャーしました。

このアルバムでは、Rev が特に本領を発揮しました。 伝えられるところによれば、彼はプロジェクトの60％を自分で書き、半分の曲では共同リード・ボーカルも提供したという。 ロックのドラマーがバンドの音楽にこれほど多くのインプットを与えることはまれですが、彼は間違いなく、パーカッシブな推進力に匹敵する芸術的な素材を豊富に提供しました。

Avenged Sevenfold は予想外の 2 曲で締めくくりました。 最初は、ザ・レヴがティム・バートン、ダニー・エルフマン、オインゴ・ボインゴにインスピレーションを受けて創作した8分間の大作「A Little Bit Of Heaven」だった。 大部分がオーケストラの楽器演奏をフィーチャーしたこの風変わりなトラックは、殺人、死体性愛、アンデッドの復讐、そして連続殺人の陽気で病的な物語を紡ぎ出しました。 対照的に、「Dear God」は、旅先での孤独と憧れを歌った、田舎風のスローなバラードで最後を締めくくった。 （ビデオはジャーニーの「Faithful」を思い出させた。）

金属攻撃を使わずにワンツーパンチを繰り出すのはこの人たちに任せてください。

当初、これはグループ初のコンセプトアルバムとなる予定だったが、2009年12月に不慮の過剰摂取によるザ・レヴの悲劇的な死により、バンドは予期せぬ岐路に直面することになった。 28歳のドラマーが残した大きな空白はすぐに衝撃を与え、グループは当時ドリーム・シアターのドラマーだったマイク・ポートノイに次のアルバムのレコーディングを完了させ（ザ・レブが事前に計画していたドラム・パートを基にして）、次のアルバムに参加するよう依頼した。旅行。 この選択には意味がありました。 牧師はポートノイのような次世代の強力なプレーヤーの代表を務めており、二人は以前から個人的に絆を深めていた。

ナイトメアへの元の概念的なアプローチは放棄されましたが、曲の多くがバンドメイトの喪失に対するバンドの絶望と痛みを扱っているという点で、いくぶん概念的なものになりました。 アルバム全体にザ・レヴの痕跡が残されており、以前の作品よりもスローでメロディアスな曲が好まれることが多かった。 しかし、バンドにとってメタルコアのフラッシュバックとなった「God Hates Us」のようなスラッシングな曲もありました。

マイク・エリゾンド (エミネム、マストドン) がプロデュースした 2 枚のアルバムのうちの最初のアルバムである『ナイトメア』は、おそらく『Avenged Sevenfold』の中で最も感情的なアルバムです。 「So Far Away」など、歌詞の多くは彼らが感じた悲しみや悲しみを表現したものでした。 ピアノによる追悼曲「フィクション」（原題は「死」）は牧師によって書かれ、亡くなる3日前に完成した。 今にして思えば、「私を自由にするためにこの世を去った」「結局、私はあなたのために命を捧げた」といった歌詞は不気味なほど予言的だった。

ポートノイとのアルバムとツアーのサイクルに続き、アベンジド・セブンフォールドは2011年からツアーに元コンフィドのドラマー、アリン・イルジェイを迎え、その後6枚目のスタジオ・アルバムを制作した。 イレジェイは、ドラムの後ろで 2 つの大きな靴を履くという、気の遠くなるような仕事に直面しました。

『ヘイル・トゥ・ザ・キング』は別の種類のアルバムだった。 曲の大部分はミッドテンポかそれより遅いテンポで、80年代のヘヴィロックの雰囲気を与える強烈なグルーヴを持っていました。 一部のスラッシュ バンドが焦点を変えることは珍しいことではなく (メタリカやブラック アルバムを思い浮かべてください)、ペースの変化がいくつかの思い出に残る曲を生み出しました。

Ilejay はライブで The Rev のより速く、より激しいパートに取り組みましたが、Hail To The King では強力でヘヴィなグルーヴに焦点を当てました。 ここではバンドのアプローチに一貫性があり、メタリカ、メイデン、メガデス、その他のクラシックやスラッシュのアイコンのスピリットがアルバム全体に大きく迫っています。 アヴェンジドを含め、多くのバンドがカバーアルバムやカバー曲を制作しています。 ここでは、彼らはよりオマージュの記録を提供しています。

まさに A7X のやり方で、『ヘイル・トゥ・ザ・キング』の合理的な音楽の続編は、グループ初の真のコンセプト アルバムとなったが、直線的な物語を利用するのではなく、よりテーマに沿ったアルバムとなった。 それは人工知能と、世界と宇宙における人類の位置を中心に展開していました。

プログレというタグはこれまでバンドとの関係でいろいろと取りざたされてきたが、ザ・ステージはまさにその言葉に忠実であり、グループは変拍子やより複雑なアレンジメントを実験していた。 攻撃的なプログレッシブメタルでした。 今回はプロデューサーのジョー・バレシ（『コヒード・アンド・カンブリア』、『バッド・レリジョン』）が参加し、最近キリストは、バレッシは彼らがやりたいと望んでいることに決してノーとは言わず、ただそれを実現する方法を見つけるだけだと説明した。

ゴシックな雰囲気で始まるアヴェンジドの4枚目のアルバム――この場合、オジー・オズボーンの「ミスター・クロウリー」の精神を取り入れたキーボードのイントロ――激しいタムワークは、グループの4人目のドラマー、ブルックス・ワッカーマンの解雇後の到着を告げた。キット後方からのイレジェイ。 ワッカーマンは、パンクのアイコンであるバッド・レリジョンとの長年の共演を離れ、A7Xの方が自分たちの進む音楽の道に適していると判断し、A7Xに移籍した。 彼は確かに強力なフィルとキックを繰り出し、彼らのドラム王座にふさわしいことを証明しました。

ステージは多くの炎と怒りに駆られていたが、バンドはバラード「Roman Sky」と「Angels」、そしてジャンルを飛び越える15分間の「Exist」でも冷静だった。 その巨大なトラックは、アンビエントのミステリーで始まり、パワー メタルの威厳に爆発し、多くのギター演奏曲を駆け抜け、途中でシャドウズの落ち着いたボーカルが到着しました。 そしてバンドは、高名な天体物理学者ニール・ドグラース・タイソンの口語的な一節ですべてを締めくくった。比喩的かつ文字通り星に手を差し伸べるという意味だ。

そして今、我々はアベンジド・セブンフォールドがほぼキャリア全体にわたって制作することを脅かしてきたアルバムに到達した。 マイク・パットンや彼の実験的バンド、ミスター・バングルなどにインスピレーションを得た A7X は、「キッチンのシンク以外すべて」の精神を最新の作品に取り入れています。

M.シャドウズがバンドがオーケストラと協力することを発表したとき、多くの人はメタリカのS&Mや圧倒的なネオクラシックアルバムを想像しただろう。 しかし、バンドは逆のアプローチを取ることで予想を覆し、曲の半分は典型的なアベンジドの曲の半分の長さでした。 （言い換えれば、アルバムの再生時間は 3 ～ 4 分です。）ジャケットに描かれた最低限の黒いマーカーでさえ、彼らのよりカラフルな過去のアルバム アートの多くとははっきりと対照的です。

シャドウズは、『Life Is But A Dream…』は実存主義と不条理を探求しており、部分的にはアルベール・カミュの哲学的著作や、彼とゲイツによるサイケデリックドラッグの使用からインスピレーションを得ていると述べている。 この非常に折衷的なアルバムは、頻繁なテンポとダイナミックな変化、そしてソングライティングに対する前衛的なアプローチによって、ワイルドなコントラストを研究したものです。

「Game Over」では猛烈なスラッシュ ペースが穏やかなフルート、ピアノ、アコースティック ギターのセクションに消え、「We Love You」では単調なボーカルと無調のインダストリアル サウンドに変化します。 「Cosmic」では、催眠術的なホーンと感情的なボーカルがギターの不協和音によって最高潮に達します。 最後の 4 曲だけでも、ブロードウェイ、ファンク、ジャズ、シナトラ風のバラードの要素を呼び起こし、最後にはネオクラシックのピアノ インストゥルメンタルが演奏されます。

最新のAvenged Sevenfoldプラッターは、バンドが最初から示してきたものに回帰します。 自分自身とその聴衆を押し上げることで、新しい A7X アルバムに何を期待できるか、あるいはそれがリスナーにどのような痕跡を残すかは誰にもわかりません。 この最新の叙事詩が時間の経過とともにどのように立ち上がるかはまだわかりませんが、『Life Is But A Dream…』は、Avenged Sevenfold がその栄光に満足していないことを証明しています。 それが彼らをずっと突き動かしているのです。

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写真：Scott Dudelson/Getty Images for Coachella

特徴

2014 年にクリスティーン アンド ザ クイーンズがデビューして以来、このインディー ポップ シンガーは個人的な探求と音楽的な探求を経て、今、彼を変えるアルバムを作成しました。

「私にとってそれは死んだものだ」とクリスティーン・アンド・ザ・クイーンズは古典的なポップ・ソングの構造について語る。 「彼らは高度な資本主義でポップミュージックを殺した。彼らはメロディーを感染させた。」

エロイーズ・ルティシエとして生まれたアーティストは、常に前衛的な才能を持ち、限界を押し広げ、音楽の中でアイデンティティのテーマを探求してきました。 （2014年のデビューアルバムのオープニングトラック「iT」で、彼は思い出深くこう歌った。「彼女は男になりたい、男になりたい/でも彼女は嘘をつく/彼女はまた生まれ変わりたい/でも彼女は失うだろう/彼女は自分で自分の股間を描く/でも偽物だから負ける」)

しかし、ビコーズ・ミュージックから6月9日にリリース予定の彼の4枚目のフルレングス『PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE』は、それまでのシンセポップに満ちたアルバムからの脱却と、彼の自由なソングライティングの完璧な拡張の両方で、まったく別の作品である。

パッション・プロジェクトは3部構成のコンセプト・アルバムで、トニー・クシュナーのピューリッツァー賞とトニー賞を受賞した1991年の演劇『エンジェル・イン・アメリカ』、そして2019年の母親マルティーヌ・レティシエの死から大きくインスピレーションを得たもので、伝統的なポップスを避けたオペラのような傑作であり、広大な敷地を舞台にしている。 、幻の探求は 20 トラックと 96 分にわたって語られます。 エリシアンの結果は、時には豊かで啓示的であり、また時には夢中になり、催眠的なものになります。

『PARANOÏA、ANGELS、TRUE LOVE』も、ほぼ 10 年前にインディー ポップ界で有望なスターとして登場したレティシエのバージョンからの完全な進化を表しています。 「それは私を変えました。本当に変わりました」とレティシエはアルバムについて語る。 「私は今セラピーを受けていて、自分の性別を正しく判断しています。私はそこにいます。（笑）。ついに、なんと！ 時間がかかりましたね。」

彼の率直な考えが何らかの示唆であるとすれば、レティシエの自己発見の旅は長く曲がりくねったものであったことがわかります。 実際、このフランス人歌手は、2014年の『Chaleur humaine』（翌年に『Christine and the Queens』として英語で再リリースされた）で紹介されたクィアの女性ポップスターとは全く別のアーティストであると言っても過言ではない。 当時、レティシエは女性であることを自覚しており、芸名の女性名に合わせて彼女の代名詞を使用しており、前述のような初期の曲を通じて、クリスティーヌの両性具有をパフォーマンス アートのスペクタクルのようなものとして提示していました。 iT」、「セントクロード」、「ティルテッド」。

2018年の続編『クリス』では、レティシエは芸名とペルソナに新たな要素を導入した。 名ばかりのクリスとして、歌手は髪を切り落として滑らかなポンパドール姿にし、ボタンダウンシャツ、ワイドパンツ、巧みに仕立てられたスーツでいっぱいのローテーションワードローブを着た。

「私が見つけた男性的なヒーローの物語はすべて、自分のために盗んで、自分のサイズに合わせたいと思っていました」とレティシエは当時ニューヨーク・タイムズのプロフィールで述べた。 「最初のアルバムは、少しメランコリックな若いクィアの女の子についてのものでしたが、今は筋肉を鍛えています。よりタフでアグレッシブなサウンドを実験したかったのです。」

このアプローチは、ファンク主導の「ガールフレンド」（およびそのウェスト・サイド・ストーリー風のミュージック・ビデオ）や、クリスが「私の歌には誇りがある/厚みがある」と宣言するアルバム・オープナー「コム・シ」のような男らしさあふれるヒット曲を生み出した。新しい肌の/私は所属することを終えました。」

当時、レティシエは、出生時に割り当てられた自分の女性の性別をまだ把握していながら、パンセクシュアルとジェンダークイアの両方を公に認識し始めていました。 「私が流動的だと言っているのは、私の女性らしさは男らしさのヒントからできていて、疑いやためらいからできていると信じているからです」と彼はBBCニュースナイトに語った。 「私は女性であるにもかかわらず、女性であることが何を意味するのかよくわかりません…私はただ少し解体しようとしているだけです。ある時点でジェンダーの比喩が私にとって少し狭く感じられたと思うからです。」

ほんの数年後、実際、レティシエは、より完全な自己実現に向けての旅の中で、they/them を含む幅広い代名詞を採用するようになりました。 しかし、今にして思えば、彼は最初の 2 枚のアルバムを、それぞれの特定の瞬間に自分が誰で、どこにいたのかを正直に表現したものだと今でも考えています。

「自分がどうなりたいのか、もっと理解できた気がする」とクリスはGRAMMY.comに語った。 「私は非常に若くして始めました。私の最初のアルバムは非常に若いものになりました。クリスは私の神経の緊張の表現でもあると思いますが、私はまだポップの構造、女性の身体、そして私などの観点から考えていました」残りを飼い慣らしていました。」

2020年のパンデミックの初期に、レティシエはリードシングル「People I’ve been Sad」を核とした感情的なEPであるLa vita nuovaと、その6曲に対応する短編映画をリリースした。 6曲入りのリリースでは、クリスの演劇性と振り付けが最前線に置かれ続けた。「ピープル・アイヴ・ビー・ビー・サッド」のビジュアルでは、エッフェルツアーを目前に控えたパリの屋上で角のある悪魔と踊っているクリスの姿が描かれているが、彼は新たな深みを模索していることがわかった最愛の母親を失った直後の感情。

「本当の意味での解明の感覚が存在していました。それは本当です」と彼は『La vita nuova』に悲しみを注ぎ込んだとNMEに語った。 [EP]は、2019年に私の顔に感情的なショートパンチをたくさん受けた結果でした…2枚目のアルバムのツアー中に多くの深いことを経験しました、そしてツアーと私の残りの人生が崩壊する間の緊張は耐え難いものになりました。」

マルチ・ハイフネートの次のフルレングスである Redcar les prettys étoiles (prologue) は、彼の最新の分身である Redcar をデビューさせる手段として 2022 年末に登場しました。 そして、アルバムのタイトルは、このアルバムが次に来るものの前身であることを示していたが、レティシエは、天国の三部作にはフランス語が必要だという考えに衝撃を受けたとき、すでに『PARANOÏA』、『ANGELS』、『TRUE LOVE』の制作プロセスに深く入っていたことを明かした。言語の先駆者。

「他の作品に戻るために最初に必要なプロローグのように感じました」と彼はレッドカーについて語ります。彼は共同プロデューサーのマイク・ディーンとわずか2週間で書き、レコーディングしました。 「つまり、キューブリック映画の回廊のようなもので、時間は制限されており、実際に核となる前にパフォーマンスを行うためには、核となった後の何かに取り組む必要があります。」

母親の死をきっかけに、ロサンゼルスの路上で赤い車が次々と走っているのを見たことがインスピレーションとなって、レッドカーというあだ名を受け入れたことで、レティシエはトランスジェンダーとしてのアイデンティティを受け入れる余地も得た。

彼は、昨年11月に『Redcar les prettys étoiles』（プロローグ）が発売された際のヴォーグのプロフィールで、自身のカミングアウトとジェンダーとの関係の進化について詳述した。 「トランスジェンダーに対する私のアプローチは、特に喜ばしいものでも、安心させるものでもありません。なぜなら、どんな種類の死を経験した人を慰めるべきだとは思っていないからです。

「私の話は寛容と集団的解体についてです」と彼は続けた。 「私は自分の体を現状のままでいたい。私は幸せで自由になるため、愛されて愛するため、自分の肉体とその矛盾を楽しむため、そしてみんなの意識の拡大を手助けするために、ゆっくりと、将来のためにそう願っている」何世代にもわたって、人間の生活に対するこの二元論的で資本主義的なアプローチを根こそぎにしています…レッドカーは、私が経験してきたことを描いたものです。」

そして、（プロローグ）がレティシエの芸術的かつ個人的な変化を垣間見るものであったとすれば、その後継者は彼の物語の残りをそのすべての熾天使の輝きの中で展開します。

「光を通して、思い出してください。聞いてください、私のベイビー。物語の物語へようこそ。あなた自身の光の物語へようこそ、私の子。光へようこそ」とレティシエはパラノイアを開く大げさな「序曲」で宣言します。 「私の立場から見ると、すべてが素晴らしいです。」

この宣言により、アーティストは実際、典型的なポップのルールブックを窓から投げ捨て、過去を振り返ることに興味がないことを明らかにした。 「ポップミュージックにおける効率性の過度な合理化は、少々楽しみを殺してしまっているような気がする」と彼は言う。 「私たちは非常に狭い規模で、非常に同じ間隔で仕事をしています。私たちは効率を追求しており、真実を探したかったのです。」

その結果、96 分間の豪華で濃密で強力な音楽が誕生し、構成とパフォーマンスの両方において壮大さと複雑さを同時に実現しました。 クリスは、幻想的で夢のようなサウンドスケープに中世のハーモニーを重ねます。天国への訪問を歓迎し、目に見えないものについて熟考しながら、母親の死に対する悲しみを処理し、「目に見えないもの」が要求するものに奉仕する超越性を模索します。

マドンナは、彼が敬意を込めて「メタトロン、クオイ」とも「変革の天使」とも呼んでいますが、ワン・ビッグ・アイと呼ばれる全知で両義的なキャラクターとして複数の曲で重要な役割を果たしています。

アルバムの高尚な物語に迫りながら、ルティシエはマドンナのワン・ビッグ・アイを「大きなシミュレーションの声」、「変装した天使」、あるいは「遠くから語りかける」自分の亡き母親の声、あるいは聖なるもののいずれかだと述べている。メアリー自身、あるいはもっといいことに、それらすべてを一度に。 (070 シェイクは、ANGELS の曲「True love」と「Let me touch you Once」でも彼女自身の天使のようなキャラクターを体現しています。)

レティシエによれば、これほど極端な創作プロセスは彼がこれまでに経験したことのないもので、瀬戸際に追い込まれたことで、ミュージシャンとしての実践と、自分の音楽の器としての能力の両方に疑問を抱くようになったという。受け取り中。

「ある時点で、自分の声と可能性をあまりにも忘れて、『私も狂っているかもしれない』と思ったのを覚えています」と彼は苦笑いしながら言う。 「そして私は実際にシャーマンに尋ねました。『私は実際に明晰になっているのでしょうか？それとも私はただ狂っているだけなのでしょうか？』 彼女はこう言いました、「両方とも、こんにちは。だって多元宇宙は現実なのですから。」

すぐに、「涙はとても柔らかくなる」、「彼は永遠に輝いていた、息子よ」、「正直に言うと」のような曲が生まれ、多くの場合、早朝に一発で書かれ、インスピレーションのボルトとして到着しました。 今振り返ると、レティシエさんは、その経験が彼を「狂った祈り人」に変え、ほぼスピリチュアルな修行に専念するようになったと語る。 「私は自分の実践をこれほど内面化したことがありませんでした。私は狂ってしまいました。私は取り憑かれたように感じました。私は社会性を失いました。何時間も祈ったり、歩いたりしていました。最もクレイジーなことが私に起こっていましたが、非常に希薄で、非常に構造の中にありましたその日私は一人で祈っていました。

「そして、私たちのこの芸術性のおかしなところは、ほとんどの場合、私たちは勇気を出さなければならないと思うことです」と彼は続けます。 「熟練しているだけでなく、勇敢でなければなりません。容赦なく、忍耐強く、忍耐強く、自分たちが持っている才能を無視するだけではありません。」

ありがたいことに、歌手は、PARANOÏA、ANGELS、TRUE LOVEを作ることへの熱狂的な献身が彼をある種の癒しに導き、母親の精神に近づけたと語った。

「それは恐ろしくも豪華な饗宴だった。幽霊が出るような気分だった」と彼は告白する。 「でも、それを超えて、祝福されていると感じました。時々、私の声を通して彼女の声を思い出しているように感じました。曲自体に彼女が触れているように感じました。「天使に会った」という曲があります。 私がそれを書いたとき、「心を開いて、愛する人よ」と書いてあるのですが、私は「彼女が話しているのです。彼女はただ、私でいていい、あのミュージシャンでいい、あの男でいいと言っているのです。」と思いました。

「愛する人を失うことは、もちろん痛みなどのひどい経験です」とレティシエさんは付け加えた。 「しかし、愛がとても深いときの素晴らしいところは、彼女が魔法を通して私を世話する方法を見つけてくれたことです。私はそれを信じています、私はほぼ毎日彼女と話しているとさえ言うことを恐れていません。自分のことをもっと理解して、彼女は私を「私の息子」と呼んでいました。 そうですね、私はそう感じています...あなたは決して絆を壊すことはありません。」

今、PARANOïA、ANGELS、TRUE LOVEを世界と共有しようとしているレティシエは、自分の本当の自分に到達しただけでなく、自分をここまで到達させるために、すべてのステップ、すべての曲、すべてのアルバムがどれほど必要であったかを理解しています。

「私の良いところは、一貫性のある人間だということです」と彼は言う。 「私はずっと正直でした。セラピー中の私のお尻を自己嫌悪から救ってくれたのは、自分の状態がどれほど盲目だったかを認識することについてでしたが、音楽がずっとそこにいて、それを言い続けてくれたことです。私はずっとそうしてきたのです」 「私の練習では、誠実な母親愛者でした。私の大きな間違いは、これがパフォーマンスだと人々に告げたことです。」

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写真: ラロン・ハインズ提供

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コンテンツクリエーター、俳優、歌手のラロン・ハインズは、アーティストとして3作目のリリース、「ダウン」というタイトルの自信に満ちたラブソングを、波打つエレキギターを使ったパフォーマンスでデビューさせた。

最新シングル「ダウン」で、R&B の新人ラロン・ハインズは、芽生える関係の情熱的な要素、つまり焼けつくような化学反応、熱い夢中、そして強烈な魅力を語ります。 何よりも、ハインズはバラ色の眼鏡を通してすべてを見て、一緒に世界を征服できるという確かな自信を持っています。

ハインズはこの曲のコーラスで「きっとあなたをその調子に乗せることができる/あなたを本当にスムーズに知りたい/ビートに合わせて動く/私たちはそれをシャットダウンできる」と歌っている。 「ちょっと喉が渇いたような気がする、そう/草はいつもあなたと一緒に青い/甘くてシンプルにしましょう、行きましょう。」

Press Play のこのエピソードでは、ハインズが「Down」の伝染性の高いパフォーマンスを披露します。 彼はシンプルさを保ち、波打つエレキギターでこの曲を演奏します。

ハインズは、TikTok (特に保育園のトリビア動画) で名声を博した後、音楽キャリアをスタートし、フォーブス誌の 2022 年のトップクリエイターに選ばれました。「ダウン」は、歌手として成長を続ける彼のカタログの 3 番目のシングルです。彼の12月の作品「Web of Lies」のリリース。

上のビデオを見て、ラ ロン ハインズがカリスマ的なニュー シングルの独占パフォーマンスで「ダウン」する様子をご覧ください。Press Play のその他のエピソードについては、GRAMMY.com に戻ってチェックしてください。

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GRAMMY U ミックステープは、新しい曲への渇きを潤す、ジャンルにまたがる毎月のプレイリストで、すべて学生メンバーが作成したものです。 今月は、今年紹介されたメンバーとファンのお気に入りを振り返ってみましょう。

グラミー大学の学生の中で、作曲とパフォーマンスが最も人気のある学問分野の 1 つであることをご存知ですか? そんな学生たちが今どんな作品を作っているのかを聞く場を作りたいと思っています。

現在、お楽しみいただける GRAMMY U ミックステープは、レコーディング アカデミーの Spotify、Amazon Music、Apple Music のページで学生たちがこの業界に直接もたらしている作品や新鮮なアイデアに焦点を当てています。 私たちの目標は、グラミー U メンバーと、彼らが曲作りのプロセスからトラックの最終制作に至るまで、オリジナルの音楽を作るのに費やした時間と労力を讃えることです。

毎月投稿を受け付け、その月のテーマに合わせた20～25曲を特集します。 今月は、誰もが興奮してトレーニングの準備ができるよう、完璧な曲のミックスを作成しました。 Summer Rewind プレイリストには、第 9 回グラミー U ナッシュビル ソングライター ショーケースの優勝者、昨年グラミー U イベントでパフォーマンスした選ばれたグラミー U アーティスト、およびファンのお気に入りによる音楽が含まれています。

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